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  • 上苑艺术家工作室开放展
  • 上苑──一个位于京城北郊桃花坞风景区的小小村落,行政归属昌平县兴寿镇,在不到三年的时间里,聚集起一群有身份的文化人:艺术家、诗人、教授、批评家、收藏家……他们各自都非常个体地拥有一方自己的天地,但不是乡间别墅。他们来这里不是度假,也不是休闲,更无意于过陶渊明式的隐居生活。他们来这里,是想与暄嚣嘈杂的都市、与五光十色的商业社会保持一种距离,是想在这个边缘地带与迷离的“中心”保持一种若即若离的联系,是想寻求一种更适宜于自己的生存空间与生存方式,并以一种新的状态开始自己的生活、以一种新的思路开始自己的工作、以一种创造的活力重建自己的精神家园。 上苑艺术家都有一间宽敞的工作室。这里是一个“工作的世界”。看“上苑艺术家工作室开放展”,会有一种不同于在美术馆看作品的“现场感”,因为你看到的不仅是创造的成果,还有创造的过程和创造的环境,以及以创造作为基本生存方式的艺术家的方方面面。这也正是我们想到将工作室开放的缘由。 “上苑艺术家工作室开放展”将成为一个常规性的年度展,即从2000年始,每年春季举行。艺术家将工作室对外开放,作为一种姿态,说明逃离了中心的艺术家并非自我封闭,与外界绝缘。以每年一度将工作室开放的方式保持与外界...
  • 出发于生命的“原点”──读玲子的画
  • 克莱夫·贝尔曾断言:“艺术是不能学习的”。或许正是出于这个原因,整个现代艺术都带着强烈的反学院色彩。他们惊奇地发现,真正构成艺术的东西,正是存在于学院以外的艺术(原始艺术、民间艺术、儿童艺术)之中。在这里,他们找到了真正的艺术资源。也正是从这三大资源中,现代艺术得到了丰厚的滋养。 玲子的画从根本上说,正是带着上述三种艺术或曰“学院外艺术”的魅力和特征。原始艺术、民间艺术、儿童艺术。然是三个完全不同的概念,但它们在趣味上又有许多相近的特征,它们都是发自人类天性的一种艺术,都是生命本能的自然宣泄。无论是阿尔特米拉山洞里那些由人类童年所为的岩画,还是非洲民间的那些富有张力的黑人雕刻,抑或是那些天真烂漫的儿童画,都是从人类的生命“原点”中激活出来、未加修饰的纯然的生命痕迹。我们欣赏这些艺术,不存在任何技能语言的屏障。而这正是作为一个现代人、文化人和成年人难以做到的。但在玲子的画中,我们却看到了一种现代人的原始天性、文化人的民间情趣,以及成人的儿童般的纯真,看到了一个有教养的文明人的归真返璞。 玲子虽然是在未受过绘画训练的情况下开始画画的(也许正因为如此,她的艺术感觉才未遭到破坏),但毕竟与初学画画的儿童不同。此时的她...
  • 丁方──在大地与天空之间
  • 开端对于一个正在思考的人,准备做出行动的人,是一个时刻铭记在心的,包含着启示后来所有决定的原始决定。丁方是踏上中国西部黄土高原才开始其艺术行程的,或者说,这块东方大陆的广袤高原启动了他艺术之路的第一步。 一生命精神的溯回 80年代初,丁方来到中国西部黄土高原体验生活。这片远离尘嚣的土地上,人们劳动和生活的景象以及由此表现出的坚韧的生命精神给予他强烈的精神撼动。根据自己对这片土地的体验,他创作出一大批素描作品和他最早的油画作品。此期的代表作品为《浇灌》、《抗旱》、《回娘家》、《收获》。这批作品为他赢得了最初的声名。 这批作品简洁凝重,动态的人物凝固于苍天之下、大地之上,油彩的叠敷产生的肌理质感给人带来深刻的视觉撼动力。在这些当时被视为地方风情描绘的作品中,原本的生活图景已经超逾了它们本身的形态而获得生存论的意味。 人与自然的关系是人的生存所面临的第一重关系。千百年来,生存在这块上地上的人们从来没有幸福得像土里的庄稼,然而却始终与大地保持着一种深藏的亲和关系。在这种持久的关系中,自然环境几乎成为人们形而上的命运,所以,置身其中的生存所演绎的永不止歇的生命之剧就成为人与命运相颉颃的精神景观:那些弯腰劳作的坚实造型,...
  • 随便──杨福音其人其画
  • 那年在深圳听朋友讲起杨福音如何如何,我就讲杨福音我认得的。那还是我在湖南涟源插队的时候,抽到邵东县参加一个月的美术创作班。包括我在内有一多半人是画国画,又画不出笔墨的味道,指导老师偏又是画油画的,大家心里蛮着急。有一天来了老少二人,给我们示范笔墨。老者的笔只蘸了一回墨,就一气画出了浓浓淡淡七只毛茸茸的小鸡雏争抢一条小蚯蚓。众人惊叹。少者从从容容地画出了一个背竹篓的苗族小姑娘,竹篓里还插满了野花;线条蛮有韵味,颜色也好看,姑娘也画得俏。大家鼓掌。那位老者叫王憨 山,少者叫杨福音。我活到20岁,头一回看见高手作画,真是大开眼界,这两个人的名字和当时 的情景就永远烙在我心里了。后来朋友一定把这个故事告诉了王憨山和杨福音,他们也就都给我打了电话、写了信,算是续上旧缘。不过后来我 当面跟他们叙起这段往事时,他们都不记得了。 今年3月,杨福音携近年所作人物、山水百 十来幅,在北京中国美术馆办了个展览。开幕那 天阳光明媚,展厅里出奇地安静,不见多数画展 在第一天常见的喧哗。这种气氛同他的画太对味 了,使我忆起多年前在岳麓山误入芝兰圃时格外 异样的感觉,似乎闻到了画里溢出的幽香。展品中仙道故事和山水尺幅都不大。仙道故事题满了...
  • 情感概括──翁凯旋的油画作品和他的心理历程
  • 凯旋的画面朴实,平铺直叙,细腻平静,这是一种生存、一种心境。看得出来,画家试图用细腻的笔触表达他体会和回忆中的诗一样的故乡风情。凯旋只不过是一个小小的怀旧者。从四川美院附中、本科到研究生,然后任教,他几乎在美院的围墙内度过半生。他所感受到的是这个山水城市上空永远苍白的无生命的天空和这个城市的巷道、梯巷、黄桷树、细雨濛濛……凯旋的画没有夸张痛苦,且是无聊感、伤感的,甚至是一种甜腻的无聊。奇怪的是这种“散文”真正让人感受到一点宋词、元曲一样的伤怀,一种竹箫一样的情调,比如《妆台秋思》、《渔舟唱晚》。这可能是凯旋骨子里的文人墨戏情结,对存在的体验,对故里洞天的回忆,如同重庆人的喘息,这种喘息是画者的孤独及镜中的存在。而凯旋近期画作似乎越来越写意,介于“表现”与“印象”之间。 历史上许多艺术家都曾经历了由“外”向“内”的过程(有曰“眼中之竹,手中之竹,心中之竹”)。一方面由对“外”(自然)的惊喜经历了人生与内心积淀转而对自我的沧桑、皮肉之痛、内心的焦虑、存在的我的逼问;同时艺术家从眼睛的“形式感”转向整个的“自我”、存在的追问。这其实是整个人类艺术史从文艺复兴到现代的发展史:每一个艺术家本人的“艺术”追求史不过是艺术...
  • 充满东方智慧的艺术──简论战后日本现代美术
  • 第二次世界大战可以说是日本现代社会发展的一个重要分水岭。由于战后以美国为主的西方文化再次大规模倾入,使日本社会、政治、经济、文化发生了自明治维新以来最深刻的历史变革。随着国家经济在废墟上的重建以及欧美现代思潮的迅速渗透,日本文化艺术在西方文化的影响下得以重新发展。因此,日本现代美术在重整旗鼓的同时,也迅速地走向国际化,东京进而成为与纽约、巴黎齐名的国际艺术中心。 战后的1945年至1955年十年间,日本现代美术还是在欧美意识的范畴和战前已经形成的框架之内,处于一种恢复状态,从根本上来说,不难看出对欧美风格的模仿和借鉴以及战前水准的延续。究其原因,不外乎日本文化艺术界对欧美的信仰和崇拜依然继续,日本艺术家还没有建立起真正的自信。 对于日本现代美术来说,具有重要意义的是1954年11月成立的“具体美术协会”。发起人吉原治良集合了一批年轻的艺术家,倡导“做前人没做过的事”,鼓励自由的、彻底的创作精神。具体美术协会的主要成员有白发一雄、元永定正、村上三郎、田中敦子等人。在1955年10月的具体美术协会第一届东京展上,出现了白发一雄跃身泥潭、村上三郎从数十张厚的纸墙穿身而过的身体动作,将美术还原成行为,其表现和日常活动...
  • 憨山画展动京城
  • 王憨山先生艺术展以极高的画品和浓厚的艺术性为京城画坛带来强劲的春风。在时下浮躁浅薄之俗气日烈际刻,王憨山艺术展以一个真正的国画艺术家出色动人心魄的大写意花鸟画震撼京城。 王憨山先生的作品别开生面,元气淋漓,自成家数,其纯、厚、朴拙之格调动人,又以天趣、率真、清静、乐观感人。 构图平正险绝、独具匠心,造型夸张、变化有度。墨色对比强烈,线条勾点雅致。题诗落款与画面有机构成。用笔坚挺畅怀刚健,乃臻神妙。精微与挥洒皆极变化而兴到意至以气运成。主体凝重的团块毫端密集和计自当黑之白底,形成高音、中音或和声,弦律悠荡,随笔情、墨趣运介成风。又将物象人为重复并列排比,造微入妙,极具装饰美感,把花鸟鱼虫拟人传情,人间烟火气息意象生发不穷,跃然纸上。其神妙耐人寻味不已。王憨山先生的艺术皆经营惨淡,然涉笔而能所为,系多日千修百炼得来。至此我又一次体昧李可染先生所倡导,学艺“可贵者胆”的真实含意。王憨山先生有胆,取决于他的有识、取决于他的学养广博,又取决于丰富的生活积累,以及对传统绘画美学本质的领悟。王先生甘于寂寞之道,潜心笔精墨妙、自立门户的耕耘而不被世俗名利所尘染。他的画品人品高峰绝壁皆为后学之楷模,当之无愧。遂写心得以表感念与...
  • 现代艺术格局中的“上海新架上画派”
  • “上海新架上画派”作为一个画家的松散组合,它在艺术精神上是不带前卫的观念艺术色彩的,在艺术形式上它也没有趋近的风格规范。然而它作为一个画家群体,面对着色彩纷呈的现代艺术流变,并置身于多元的现代艺术格局之中,它的意义和存在的理由就自然地呈现出来了。 架上绘画是属于西方古典艺术的一个概念,其作品在基本形式上是平面的、二维的,并且是在“架上”制作的。因此在艺术的当代话语系统中,“架上绘画”具有古典的指谓。而在“架上”之前冠以“新”字,则是画家们的一种文化态度和文化策略,其在对应当代艺术的多元格局的同时,也是针对着非架上现代主义艺术潮流的──它透露出了画家对现代艺术的一种矛盾态度,即在文化精神上的认同和理解,在形式语言上的保留和距离,当然还有困惑。于是他们给自己设置了一个最后的形式边界──架上的、绘画的。在这个边界之内他们在精神和文化上的观念其实是非常开放而又多元的。 “上海新架上画派”组合在一起的纽带是对架上绘画表达方式及语言的深刻理解和精微的体悟。他们通过自己的艺术努力,将语言形式问题推到一个历史的高度之上(当然是在自身的文化系统之中)。从艺术哲学的角度看,这是一个对传统艺术在形式结构层面上的现代传承和转换问题。...
  • 本土语言的探索与建构──读程向君的漆画艺术
  • 1927年,鲁迅曾就中国现代语言的贫乏,在世界上发不出自己的声音,而感慨地把中国称为“无声的中国”。他的希望是,“我们要说现代的、自己的话,用活着的白话,将自己的思想、感情直白地说出来”。半个多世纪过去了,蓦然回首,我们才发现,中国当代艺术离鲁迅的期望竟是那样的遥远。尤其近年来,有人还试图将“世界语”、“超文化”的芯片植入中国当代艺术的体内,更加重了当代艺术的失语状态。当然,也有对这一现象进行反驳的,如“新国学”、“新文人画”们,但这种“吊书袋”式的反驳是无力的、乏味的,甚至是滑稽的。在这种情形下,重建中国本土现代艺术语言的任务已刻不容缓。所幸的是,已有许多锐气逼人的艺术家在从事这项实验,并逐渐向深处推进。程向君就是其中的一位。他近期作品对本土现代性语言的探索,已取得突破性进展。 在《中国医书》系列、《消逝的文明》等作品中,程向君大量使用了传统符号:推拿手势、穴位图、象形文字、老宋体文字等。有论者把这类现象称为“中国流”。但凡事不能一概而论,这里面有一个质的区别。有的画家使用传统符号并非重建它,而只是停留在装饰层面,纯属“形”的复制,不但不能激活传统符号的文理、文脉价值,反而可能成为廉价推销作品的方式。另一些...
  • 田世信雕塑艺术略论──兼论中国当代雕塑艺术的东方性
  • 中国当代美术经过改革开放以来20年的演进,已经呈现出了多元的格局和相当的规模。艺术家在东西方文化的涤荡之中经过了痛苦的蜕变、艰辛的探索、勇敢的试验,将中国的当代艺术推向了继本世纪初的20年之后的又一个20年的兴盛期。在这个历史时期中,各种艺术风格流派和艺术观念的消长沉浮反映出了时代的精神走势和文化变革。到了本世纪的最后几年的艺术流变之中,“东方性”的问题终于从理论的呼唤迈入艺术实践的范畴。一 乡土性艺术在现代文化中的张力,在特定意义上是对文明的反驳和补充。因此民间艺术、原始艺术和乡土艺术对于现代艺术的形成有着重要的意义。每当历史处于文明的转型和文化的更新时期,民间艺术、乡土艺术和原始艺术往往成为艺术家寻找的形式母题。这一点已为美术史所印证。例如西方的原始主义就曾是西方早期现代主义的一个概念。它的意思,按照马蒂斯的说法,就是返回到构成艺术语言的起点上去,追求单纯、粗扩又具有表现力的形式创造。 田世信艺术的早期乡土性风格,是他特殊的生存体验所赋予的。他生长在北京,并在北京完成了大学学业,然后被命运安排到边远的贵州山区生活了二十几年。文化古都北京和贵州山区小县城在文明程度上的差异,几乎可以说是两个对应的极点。这种人...
  • 窗内印象与窗外风景──黑白木刻创作谈
  • 是很久以前的事了,光滑的石块路、长长的石板梯、浑圆的石狮子、厚厚的木板门、方方的木格窗、黑黑的青瓦房、斑驳的风火墙……茶馆铺面木板缝里透出评书声,戏台川剧乐鼓震耳响,石牌坊上二龙戏珠,麒麟踏着梯云驰骋远方,还有玩着陶鱼陶狗在石刻碑亭间捉迷藏……恍惚间,儿时印象记忆犹新。 也是历史的偶然,单调、凝固、平静中重复着寒苦和辛劳。下乡六年洗去如梦的幻想,脚踏实地回到现实,苦中寻乐,不知不觉中传统文化的基因似酵母在体内急剧膨胀。我本能地贪婪地吸吮这丰富的文化营养,感受大自然的神奇和变幻,收集人文山川的可视形象。大巴山区的地理形态导致了暂时经济和文化的封闭状态,传统的习俗和人文景观保存是完整的,自给自足的生活方式,维系数千年的生态链如同那青山绿水一样地自然而然。透明的蓝天、变幻的白云、人们日出而作日落而息及欢乐与痛苦,生生不息的自给自足状态似田园牧歌,我漫不经心地用刻刀交织成了一系列作品,一幅幅记录中国农村现实景观的图画。 当时代翻开新的一页,以消耗资源为代价的人的物质占有欲数倍地膨胀,水泥建筑群的森林蔓延大地,传统文化的情结、东方人的思维方式、现代人的精神追求、艺术的终极关怀,在茫然与困惑、思辨与梳理中纠缠。爆炸的信息...
  • 说说李飚
  • 李飚,看这名字,和狂风暴雨有关系,你还以为他是个身形魁梧、说话声如洪钟的大汉哩。其实,看上去他挺不显眼,挺蔫儿,细眉细眼的,而且,你不大能想象他当学生的时候是个足球好脚。 在美术学院版画系,李飚主攻石版画,也兼在黄永玉工作室学木刻,而且他的毕业创作就是木刻。那幅木刻很大,连老师带学生,美院历史上还没人刻过那么大一块板子。题目叫《卧虎山下庙会》,内容是“人民公社”时期的农村集市景象。用阳刻手法,很传统的,特别是散点透视的运用,使横长的画幅真有点《清明上河图》的意思。画里人物多、景物杂,鸡鸭牛狗猪,什么都有,样样都是从细致观察中得来的,“体验生活”到那种程度可说完全是忠实地在依照毛泽东《讲话》精神做的。不说刻这画要花多少体力,就说边边角角的细节安排也是很劳神的。画里有一处在斗鸡,挺有生活气息的。不成想,就是这两只鸡也会引来非议。当时有两个教授说,怎么看这鸡都是暗示赫鲁晓夫所说的“中国人是好斗的公鸡”。 这个创作最终得分是“3”,高复读只差半档。因此,在取消“人民公社”以前,他的表现“人民公社”的版画便早早被遗忘了。 从美术学院毕业到80年代初,他陆陆续续地作了不少木刻,利用难得的到祖国边远地区出差的机会,搜集了大...
  • 阅读《医书》
  • 新一代艺术家的成长与参与,为20世纪90年代以来的中国漆画艺术,带来了盎然的生机和更新的气象。借助新时期十年的实践积累,朝气蓬勃的青年艺术家在漆画语言的探索和风格样式的追求上,以更强的针对性和广泛性而取得显著的成就。 在实力日显、影响渐大的一代新锐中,程向君尤其引人注目。记得十年前他即以一批形式考究、格调优雅、装饰趣味浓郁的漆画作品,率先从“唯美”艺风的青年画家群中脱颖而出。这以后,他更是锐意进取,始终处在漆画探索的先锋位置。本着对社会精神状态和个人生存状态的深切体验,本着对艺术思潮和审美趣味变化趋势的敏锐感悟,本着在创作实践中不断深入的对漆材料和髹工艺特性的认识和把握,他清醒地确立了自己在漆画领域的推进路线和追求目标,从而稳健自然地展现出一种更为成熟、更有艺术深度的语言形式,赋予漆画新作以更加鲜明的个性。 从曾经主导漆画创作的“唯美”模式来看,程向君于90年代后期展开的探索无疑是突破性的。创作上,他日益明显地表现出深入探索大漆的漆性以及综合材料效应的兴趣和热情。以《医书》为题,数量众多的系列漆画作品,便是这种兴趣和热情的产物。对形式美法则和相应形式美的理解与把握,在他的这些作品上已由着重表面形构的一般状态深...
  • 中国艺术当代性断想
  • 现代艺术、当代艺术、前卫艺术,在中国当代画坛,此类名称并不陌生。许多人以此种艺术家自居,别的人也承认上述这类艺术家的这种当代性质。几乎整个画坛,不论是承认、喜欢,还是反感、反对上述艺术者,大都比较认可此种艺术的至少“现代”、“当代”、“前卫”的名目。大家较为一致地认为,那种把西方“现代”、“当代”、“前卫”艺术直接当成模仿(或曰借鉴)对象的一类艺术就是中国的“现代”、“当代”、“前卫”的艺术。于是波普、装置、行为、观念一类艺术,也就当然地成为“现代”、“当代”的艺术了。喜欢的人这样称呼,不喜欢的人也这样称呼。在喜欢的人那里,这是一个可以自豪的褒义辞;而在不喜欢的人那里,“现代艺术”、“前卫艺术”已有了贬的意味。但不论怎么说,国人大多习惯于认可西方的现代艺术就是中国的现代艺术。 20世纪的中国是崇拜西方的中国。西方的各种思想、主义自始至终是国人的指导思想。其中,对国人影响大到极点的,就是认为西方人走过的道路,就是“不以人的意志为转移”的全人类必须走的路。有人早就给我们规定出了人类绕都绕不过的必须走的那几个铁定的阶段,国人可以倒背如流。人们早已习惯于让时序上的近远来定事物的先进与落后,而西方与东方更与先进落后相对...
  • 冲突与凌越──抽象作为精神实验
  • 自沃林格1906年写成《抽象与移情》、康定斯基稍后在1910年创作了第一幅抽象油画至今,抽象艺术的历史发展已近一个世纪,它被艺术史家称之为“20世纪典型的艺术形式”和“人类自身最有代表性的创造”。 抽象艺术经历了现代主义形式发初期,战后从欧陆转生于美国,形成抽象表现主义的移植再造期;80年代以来,广泛融会、吸纳了硬边与构成,后极少和新表现诸多艺术语汇和原素,走向后现代性的移置、延异、解构和折衷期。当今,这一泛涵的艺术类别已然在近百年的坚持和嬗变中,再度成为一种国际化的无门无派的亚宗教艺术──之所以这样称谓,是缘于它难以置信的包罗万象的潜力,源于“抽象原则”与生俱来的对于精神──智能世界的崇信以及形而上的冲动。这种先天的胎记,一方面标示着非具象艺术的虔诚和高蹈精神,另一方面在缓解和避免历史同化的过程中,它的绝对、纯粹、无形象、非描绘等特质,本身已造成精英与大众之间的一道鸿沟。 辗转于80年代而汇聚于90年代的本土抽象艺术一族,首先面临的是一个后革命氛围的文化历史条件,这一条件的设限在于:语言论美学转向之后,形式美学包括抽象形式的自律性──无论侧重情感和感觉表现的“热抽象”抑或侧重组织结构,传达宇宙意识的“冷抽象...
  • 王憨山艺术展前言
  • “真诗在民间”,这是诗歌界的一个观点。看了王憨山的画,我认为真画也在民间。他的题材古往今来许多画家都画过,有些画了几百年了,很熟悉的,但我还是被他感动了。他把我带进了一个情感丰富的艺术世界,热肠冷面傲骨平心,让人洞见画家的肝胆,至情至性,真人真画。在熟悉的题材领域,他开拓了新的意境,读解出精警的人生况味,而且一如既往地朴素真淳、宽仁厚道、时见幽默,不失重心和爱心。 我观王憨山的画,谓其有“四气”。一是土气,他自号“田园宰相”,扎根乡野,作品满溢泥土芳香;二是文气,“六分读书”的努力,使他的诗文书法同画一样灿然可观,升华了篱落池塘的小天地;三是才气,造型的奇拙、构图的惊险、入骨三分的神情刻画,表现了画家的才情和修养;四是大气,开张胸臆,刚健清新,小题材画出大气象。这“四气”,当是中国画至为宝贵的元气和真气。 今天看到王憨山的画,我想起当年可染先生面对黄秋园遗作时的感叹:“国有颜回而不识,深以为耻”。憨山多次来京,我亦数次去湘,竟缘悭一面。恨不能起憨山于地下,执手相叙,以慰我怀。 2000年9月 8[email protected]
  • 凝虑间,思接千载映古今──记徐世平先生发现的绝世人物画长卷《海会图》
  • 美籍华人画家、鉴藏家徐世平先生,祖籍浙江雁荡山,出生于上海一个充满艺术氛围的家庭。父亲徐伯清是当代颇负盛誉的书法家,母亲毕业于上海美专,堂叔徐静以画“鹤”而著称。徐世平从小耳濡目染,对绘画情有独钟,自7岁起跟着父亲学写汉隶草书;后来又拜谢稚柳、应野平为师学习山水;拜孙伯渊为师,学习书画鉴定;也曾学习西画的素描法。 十几年前,徐世平持着吴湖帆家人的介绍信,来到美国求师于书画鉴定大师王己千先生。王己千先生那渊博的书画知识、鉴定技巧以及丰富的收藏令徐世平如鱼得水,绘画和鉴定水平提高得很快。凭着不凡的眼力,他经常往来于古董市场,常有独到的发现。 因此,才有了1995年1月那个不同寻常的初春的一天。徐世平夫妇一如继往,其乐融融地来到曼哈顿的一个古董市场,依然要去观摩书画、品评笔墨、议论行情。预约好的古董商为徐氏夫妇打开了一轴手卷,宽仅盈尺,托裱的淡彩绫子已经磨损起毛。卷过空白的引首,在白色万寿纹地的绫绢裱圈中,几个两三寸高的、很小很淡的人物,在破损杂有黄色污迹的略显陈旧的纸上出现了。斑驳的污迹遮挡不住薄云缭绕的峭壁叠峰,松枝虬曲挺拔,绕岩迎风。松岩之下,两位高三寸左右的人物广袖宽袍,秀髯轻扬。一位顿首相拱,脚踩如意;一...
  • 跨越双千年的艺术盛会──2000年悉尼双年展述评
  • 2000年悉尼奥运会尚在热火朝天的筹备当中,为期66天的第12届悉尼双年展已使这座风景如画的澳大利亚海滨城市提前进入兴奋状态,成为世人瞩目的焦点。最近,笔者应澳大利亚驻北京使馆、澳中理事会、新南威尔士大学美术学院邀请访问澳洲,有幸参观了此次大展。 始创于1973年的悉尼双年展,是亚太地区最重要的国际当代艺术展事之一,至今已连续举办12届,其规模堪与威尼斯和圣保罗等双年展媲美。5月26日至7月30日,2000年悉尼双年展在该市最知名的新南威尔士美术馆和当代艺术博物馆等五大场馆同时举行,展出23个国家48位重要当代艺术家的作品。全部展览免费对外开放,吸引了成千上万的国内外观众流连驻足。 与历次双年展不同,今年的悉尼双年展不再沿袭由某个策展人任艺术总监全权定夺参展艺术家和作品的既有方式,而是邀请曾三次担任该展艺术总监的澳大利亚著名策展人尼克·沃特洛(Nick Waterlow)牵头,由当今世界上六位著名策展人组成国际评审委员会具体策划。这六位策划人是:日本东京独立国际策展人兼作家南涤史生(Fumio Nanjo),美国纽约独立国际策展人路易斯·莱瑞(Louise Neri),悉尼新南威尔士美术馆原居民艺术策展人海蒂...
  • 《中国艺术》封面
      2010年
    • 01

    主管单位:中国出版集团

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    主  编:徐永林

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