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文献检索:
  • 保持活力
  • 从2006年创刊以来,《东方艺术·大家》这本“节奏有点慢”的杂志,一直践行“聚焦与时代潮流竞逐的艺术品格”的办刊宗旨.不论是在市场高热时期,还是市场环境出现萎靡的阶段,作为主编的我,始终希望给杂志带入这样一个性格——关注艺术创作的第一环节,因为艺术家的创作状态,才是决定整个艺术生态健康与否的起始点,没有艺术家们源于本能的脑细胞释放,任由资本再怎么强大,创意产业再怎么兴起,终也留不下在这个时代可以砥砺泥沙俱下的精神磐石。
  • 2012扎堆青年艺术
  • 与之前全力奋进却无处投身的尴尬截然相反,众多的青年艺术活动让青年艺术家们在这个炎热的夏季成了最忙碌的人。多项以关注和遴选青年艺术家为宗旨的展览相继拉开序幕,2012年7月18日,由今日美术馆主办,富隆酒业冠名赞助的“2012之舟:‘富隆杯’当代艺术院校大学生年度提名展”和德美艺嘉主办的“青年艺术家扶持推广计划”的“引爆!”在同一天开幕。接下来‘‘青年艺术100”和央美美术馆主办的“首届CAFAM未来展:亚现象·中国青年艺术生态报告”也相继开幕。是什么引发了如此热烈的“青年艺术”?
  • 贫穷艺术到世界地图:阿里杰罗·波提回顾展登陆MoMA
  • 阿里杰罗·波提(Allghiero Boetti)作为对小汉斯(Hans Ulrich Obrist)早年影响最大的艺术家之一,常被其提及,可人们对他的认识却还是非常有限。此公的艺术生涯轰轰烈烈。直到1994年逝世,终年54岁。其出生地意大利都灵市是“贫穷艺术(ArtePovera)”运动的老巢,他曾作为该运动的一员大将叱咤风云,后又与之决裂。他曾在阿富汗的喀布尔开旅馆——因发觉与这座城市“缘分匪浅”,与朋友们(都是艺术圈中糟英人物)进行“航空邮件”的“恶作剧”,还曾将自己拆成名为“阿里杰罗”和“渡提”的两位艺术家,代表他的理性与非理性的二元状态。这些事迹还有更多都出现在纽约现代艺术博物馆(MoMA)六楼的阿里杰罗·渡提回顾展上,展览将其视作后现代主义艺术史上一位活跃多才、影响弥漫的人物,以及当下流行的“符号艺术(semioticart,比如当下一路飙红的Tauba Auerbach)”之鼻祖。
  • “收藏寻城记”——《中国城市艺术购买力报告》
  • 由雅昌艺术网及北京匡时拍卖联合主办的文化活动品牌——“收藏寻城记”,历时三个月精心打造中国收藏地理系列文化论坛,并在全国十大城市共同展开征集活动。该活动第一阶段在成都、长沙、武汉等三个城市成功举行,得到了广泛的关注。《中国城市艺术购买力报告》作为本次“寻城记”的一个重点活动,其主要目的是针对十大城市的藏家进行深入专访,描摹中国收藏群体形态;调查各区域收藏现状及特点,形成中国区域收藏调查系列报道。“寻城记”第一阶段以几个西南地区城市为主线,进行论坛征集的同时,对现场藏家进行精准调研,目前从线下共收集到超过200份有效问卷。从成都、武汉、长沙三地的受访者可以看出,成都地区受访者年收入水平和购藏投入水平更符合市场参与者经济结构的普遍规律,而长沙地区藏家则具有投资性强的特点。三地中50%以上的受访者的收藏年限在10年以上,近4-5成的资深藏家偏好中国书画和瓷器收藏,认为更符合他们对修身养性等文化的追求。
  • 未来的美术馆:策展与机构
  • 纽约独立策展人国际(ICl)与北京尤伦斯当代艺术中心(UCCA)举办的“未来的美术馆:策展与机构”国际青年策展人工作坊北京精训项目于2012年8月5日隆重开幕——这是中国国内首次开展的策展精训,现已遴选来自世界各地的13位年轻策展人加入此项目。本次短期培训项目将运用策展思维检验构建当代艺术基础设施创新的策略,以此呼应艺术家与新兴艺术大众持续变化的需求。自从新千年伊始欧洲兴起“实验制度主义”以来,策展人越来越多地开始扮演管理角色,为规划机构与挑战传统展览模式创建新的先例。如今,在世界范围内我们见证着各种机构惊人的发展——从最小的流动展览到囊括多样复合型作品的大型展览——回应着它们从中萌发的社会与政治的语境。这一次为期七天的项目将通过日程集中的研讨会、实地参观、单独会谈与圆桌讨论,来探索历史性的先例、新的典范以及新兴策展实践对艺术基础设施的影响。
  • 王迈个展:尤伦斯湾海峡
  • 在艺术家王迈的新作品“尤伦斯湾海峡”中,创作用的主要材料来自于中国北方渔猎民族生活的必需品,如搭建成建筑结构的自桦林和印有迷彩图案的行军鱼皮营帐,以及悬挂的放大数倍的渔猎民族用于哺育婴儿使用的摇篮;摇篮内树立高耸的气象观测百叶箱,用来观测“海峡”的政治文化生态的气候。同时还将展出与这些装置作品场景相关绘画及作品草图。这些寒带森林元素的材料在高崇的贴满蓝色中南海烟标墙壁映衬下“林海”与“海峡”诗意在交替转换。
  • “象外”阅读山水百年
  • 由深圳何香凝美术馆主办,雅昌艺术网协办的“象外”赵大陆作品展共展出赵大陆油画作品28幅,装匿和影像作品20余件,在展览上可以看到赵大陆以多种艺术的表现方式来呈现纯正的中国传统水墨画,作品给我们带来的强大的视觉冲击及新鲜感。他严格尊崇了中国水墨画的表意内涵,而以油画绘制的作品倾底颠覆人们对中国画的先前认知。赵大陆不仅想在表达中国绘画意境的材料上求得突破,还在于这种行为本身所传达出的创造意识与当代意义。
  • “直到中国和非洲相遇——细微之处”
  • 2012年8月3日,由白盒子艺术馆推出的夏季群展“直到中国和非洲相遇”和“细微之处”由路易斯·蒙福特教授策展,旨在向中国观众介绍巴西的当代艺术。“直到中国和非洲相遇”展示了通过重铬酸盐光敏树胶印刷而成的摄影集。在印刷过程中,这些图片的感光乳剂和颜料通过手工涂在纸上。传统工艺中一张由重铬酸盐光敏树胶印刷过程处理的照片,需要四层感光乳剂。这是一个很慢的过程,通过这一过程,艺术家想象他能“控制时间”。所有展示的照片都经过一样的工序,虽然底片被印刷了许多次,但它抓住了印刷艺术古老历史的重要性和本质,寻找一张照片的多面性,这也是中国和非洲“相遇”的交点。“细微之处,设定的轨迹”针对巴西现代艺术的道路建立了一种富有活力的表达方式,观众会感受到展览中所体现的艺术家们努力的成果——即宝贵的人与人之间合作的可能性。(王宏州)
  • “青年艺术100”
  • 2012“青年艺术100”项目于7月3旧在北京798艺术区的悦美术馆、圣之空间以及酒厂艺术区的阿拉里奥画廊,三地联合举行盛大的开幕展暨VIP预展酒会,展期持续至8月6日。组委会特别邀请国内长期关注青年艺术家发展状况的方力钧、冯博一、刘礼宾、陆蓉之、孙国胜、昊秋奠、向京、叶永青、赵力组成艺术委员会,从全国范围内的1000余位青年艺术家中甄选出110位青年艺术家,另外还有关注韩国青年艺术家发展状况的韩国策展人、批评家、美术馆馆长等推荐的10位韩国当代青年艺术家加入本年度项目,以展示韩国青年艺术创作的现状和趋势。展览期间120位中韩青年艺术家的360余件作品首次集中亮相。
  • 暗能量:有关神秘诗意的隐喻
  • 由《东方艺术·大家》杂志主办的“暗能量:有关神秘诗意的隐喻”于8月14日在今日美术馆开幕,展览展出了本刊近来关注的青年艺术家郝量、黄静远、黄一山、孙大量、王亚强、吴俊勇、袁欣、俞洁、祝铮鸣、臧坤坤创作的最新作品。这次展览所关注的艺术家的创作,都具有以下特征:往往不依赖于现实中已经存在的视觉来源和图像原形进行简单的平挪和复原,艺术家们创造并且用他们擅长的语言和媒介描述出他们想象出来的故事,或者说他们的叙述方式具有超现实主义的表象,但这种倾向并不是这类艺术的终点,审美性也仅仅是这道视觉餐点中的调味剂,他们更多的是将自我的触角暴露在时代的底色下'面对驳杂的现实世界的信息,有回应也有反击。面对这些非远非近的幻想景象,我们所能得到的思想和视觉的愉悦是超越年龄、超越种族、超越国别的。年度展之后,《东方艺术·大家》杂志将以纸上个展的形式,对参展艺术家的个人化创作做个案讨论。
  • 韩域·心物同影
  • 艺美画廊举办的“韩域·心物同影”韩国的艺术家群展中,几位来自韩国的艺术家作品带来的不仅是一场纷繁的视觉盛宴,在作品语言及所代表的艺术观念上还呈现出一种新意,并时而流露出东方哲学理念。例如裴炳雨黑白摄影作品下的古老松树.在迷雾缭绕的气氛中蕴藏着丝丝神秘。除此之外,此次展览包含的艺术家同时也试图将东西方艺术融合并追溯。例如申昊润的纸上雕塑,在创作诸多东方意味极强的佛像纸雕塑的同时,也将古罗马的女神维纳斯形象运用在韩国传统手工创作中。
  • 线象——刘永刚绘画作品展
  • 上世纪80年代初在中央美院学习油画,后旅居德国十多年的艺术家刘永刚近同在今同美术馆举办了大型个展“线象”。有着坚实的造型能力训练的刘永刚,自从1999年创作了雕塑《站立的文字》之后,便开始以“线”作为抽象艺术创作的主线,将抽象油画与中国传统书法中的线意、书意、书写性相结合,创作的一系列作品充满了油画的色彩魅力、造型魅力、笔触魅力、肌理魅力。
  • 刘中以绘画祝福伦敦奥运
  • 2012年7月22日,由中央国家机关青联资深委员会、北京市青年联合会、伦敦市长办公室驻中国代表处等联合主办的“下一站伦敦——刘中绘画作品巡展”在京隆重开幕。这次展览在伦敦奥运期间举行,旨在为伦敦奥运祝福,为中国健儿加油。此次共展出13幅作品,其中以熊猫为主题的代表作《祝福》表达了刘中对第30届伦敦奥运会的真诚祝福。除此之外的十二生肖动物画作也表现得惟妙惟肖,用视觉语言更好地阐述了中国元素的丰富内涵,散发着浓郁的中国传统文化气息,与《祝福》遥相辉映。刘中的作品体现了他心中对自然的热爱及对人文的关怀。中国美术家协会刘大为主席欣然为“下一站伦敦——刘中绘画作品巡展”题词:弘扬中国文化元素,传承奥林匹克精神。正如刘中所说:“希望通过我的画笔,感染全世界人民关爱熊猫,关注熊猫也是关注我们人类自身的发展,关注我们自己的家园。”
  • 海波/刘建华双个展
  • 佩斯北京于7月26日推出海波/刘建华双个展。海波是中国当代最重要的观念摄影艺术家之一,此次展览展出海波的代表作系列以及最新作品,《无题系NNo.8》、《摄影日记》系列以及近期作品《盲人》系列都会与观众见面。《盲人》系列选取高墙之下的盲人算命先生作为拍摄对象,暗示一种人们对掌控命运的期待和面对真实的无助。海波的视线再次转向有关命运的主题:人们面对命运的未知的恐惧,对无法挽留的记忆的追随,对永匡的诉求以及随之而来且不可回避的伤感。刘建华展出的是他的两组新作:《一线之隔》与《优雅与危险,置于你视觉中的体验》。
  • 蔚蓝的夏天——王蔚兰水墨作品展
  • 本次由景峰艺术机构主办的“王蔚兰水墨作品展”共展出王蔚兰的水墨作品50余幅,这些作品大多是近年来王蔚兰在工作生活之余的随心随性之作,展现了作者对中国传统水墨画的理解和认识,以及她在继承和借鉴的基础之上不同于他人的表现方式。和以往王蔚兰的展览不同的是,展出的作品不都是她一贯的,以女性写意人物画题材为主的形式出现,其独特的山水、花鸟画也将代表王蔚兰绘画的新领域,为本次展览带来全新的视觉感受。近年来,随着王蔚兰走向更纯粹的创作状态,其绘画内容和表现手法更加宽泛,同时,随着她多年来对笔墨目臻成熟的玩味、理解和对传统的研究以及对西方文化的关注及渗透,王蔚兰的绘画形成了自己独特的风格,此次展览比较全面地呈现出艺术家的创作面貌,让观者可以更好地了解王蔚兰的师承及创作脉络。
  • 洞穴魅影&拾荒碎片
  • 空间站于2012年8月4日至8月25日带来“洞穴魅影&拾荒碎片”——刘洵个展。此次将展出艺术家2011年至今的布面油画作品《剧照》系列。正如策展人周彦所说:“《剧照》系列乃刘洵近两年来潜心打造的喷绘油画。如影似幻的画面.本源自于他从家乡长沙街头巷尾、树梢草丛、杂物器件中像拾荒般用摄影镜头撷取的图像,与从他搜集的电影资料中随机抽取的图像恣意组合。图像被投射到画布,而他只取轮廓,加以勾勒,再据以制作纸质模版,黏贴于布面,最后逐一施以喷绘而成。人间万象,自然生灵,影视画面。皆被制作威薄片般的投影,一则将三维现实挤压成二维画面,二则将尘世经验转换成梦幻之境,他本人称之为‘洞穴魅影倒映拾荒碎片’。”
  • 李向明个展呈现“贫民艺术”
  • 2012年8月11日,“土语——2012李向明艺术展”在中国美术馆开幕。初进4号展厅冲刺眼球的是打着“补丁”的口袋,里面装满了粮食,众多的粮食口袋组成大型装置。6号展厅中间也放着诸多“粮食口袋”,周围挂着艺术家打有“补丁”的绘画作品,整个展览像是“天下粮仓”从此在自己的艺术上“开仓放粮”。李向明的作品见证了在贫瘠的大地上顽强生存的芸芸众生,他们与无语的大地一道,借助抽象特有的超越特性让它们进入澄明之境,表达了艺术家对于生命的受难和卑微群体的关怀。李向明不是在纯形式的意义上探索抽象语言,而总是在真实的个人体验以及对现代文明的反思中建构抽象的个人话语。他对具有本土文化特征的抽象语言探索,凸现出一个中国艺术家在全球化语境中的特有隋愫,呈现了中国的“贫民艺术”。
  • 天梯——沈远个展
  • 在名为“天梯”的个展中,展出了艺术家最新创作的装置作品“天梯”以及“南岭史1957-2005”、“香料”和“地壳”。此次展出的作品都与人、建筑和自然有关,是艺术家对于当今社会发展模式的反思。“天梯”这个装置由两个未完成的建筑构成,它们既像在建设中,又像一片永远无法完工的烂尾楼,在这两个一高一矮的建筑之间有个正在慢速运转的旋梯,它如钻头般的不断回旋,类似一个无限生长的生命体,仿佛要穿透这两个钢筋混凝土的骨架,不断攀升。
  • 神仙妙境——郭文个展
  • 2012年7月21日,郭文个展——“神仙妙境”在北京798亚洲艺术中心开幕。开展当天瓢泼大雨,依然没能挡住大家对艺术的热情。现场展示了艺术家新近力作及早期的油画作品,也首次展出了艺术家的装置作品。自2005年毕业后,郭文一直延续着毕业创作时对“传统与现实”的思考.将西方技法与中国山水相结合,创造出一幅幅颇具趣味的山水油画。画面大都以蓝绿等亮色调为主.描绘出幽远的山水中徜徉着一份宁静,运用中国文人式的婉转表达,让我们在炎热的夏日踏上一次令几心旷神怡的山水之旅。
  • 绘画课Ⅱ消极与——消极与积极的风格
  • “绘画课”足每年一次的系列展,继2011年策展人鲍栋在杨画廊推出“绘画课Ⅰ——错觉或幻相”展览来讨论绘画的再现问题之后,今年的“绘画课Ⅱ”把风格作为观察对象及讨论主题,旨在继续延伸我们对绘画的空间和维度的讨论。在当代的绘画实践中,对不同风格的挪用,对“个人性”概念的怀疑与拒绝,对物性存在的尊重与发掘,形成了一条重要的“去风格”的,即消极风格的线索。与此主动构成对比的则是,在绘画观念化的背景下再次强调个人风格与绘画语言,这又形成了一条积极风格的实践路线。这次展览邀请了陈或凡、萤大为、段建宇、龚剑、关音夫、李姝睿、欧阳春、申亮等八位呈现了对“风格“的不同态度与用法的艺术家,而他们展出的作品会形成一条风格观念的系谱,并构成某种策展论述。
  • 手绘的意志——庞茂琨写生作品展
  • 2012年7月30日-8月28日,“手绘的意志——庞茂琨写生作品展”在成都K空间展出。此次展览由著名批评家杨小彦担任策展人,共展出庞茂琨的油画、色粉、素描等多种媒材的绘画作品30余件。本次展览以“手绘的意志”为展览主题,集中展示庞茂琨最新阶段的创作状态,旨在从庞茂琨的日常写生作品和创作手稿的微观角度出发,以此衍生出艺术家隐藏在观念背后的创作手法和思维轨迹,梳理出艺术家在绘画语言上的独特个人表现,揭示出艺术家对于坚持探索古典艺术绘画语言在当下社会与艺术语境的转换关系中所投入的深刻研究和不解的个人意志。因为这样的艺术探索不仅仅展现了个人的理想与意志,更是中国当代艺术发展过程中不容忽视的、难能可贵的艺术个案。
  • 叠变——帕拉绘画作品展
  • 由赵力策划的“叠变——帕拉拉绘画作品展”在798白盒子艺术馆开幕,此次展览是帕拉在北京的首次个展,展览汇集了其最新作品。在帕拉的作品中,他将中国传统绘画与当代艺术用自己的精湛技法巧妙的结合、融汇在一起,作品视觉冲击力极强,画面中所蕴含的力量感像能量的爆发一样散布在画面的每一个角落,苍劲有力的笔触和极具晾艳的色彩张力充斥着整个画面,而作品中的留白也起到了点睛的妙用,用刮刀拼凑的层层叠叠的画面在灯光的照射下极尽奢华却不庸俗。
  • “引爆!”2012CYAP汇报展
  • 由中国美术馆馆长范迪安先生担当总策展人的“引爆!”于7月18日开幕.本次展览为“中国青年艺术家扶持推广计划”(简称“CYAP”)评选结果大型汇报展。
  • 缤纷——新星艺术家联展
  • 2012年8月4日北京拉斐尔艺术中心推出名为“缤纷”的新星艺术家联展。在物欲横流的现实社会中,相信每个人心中都有一个梦想的桃花源,园中的情境亦如诗中,“忽逢桃花林,夹岸数百步,中无杂树,芳草鲜美,落英缤纷”,这正是我们所期盼的惊喜,故本次展览的主题为“缤纷”,展览以雕塑和绘画为主,每个艺术家都以自己的方式去书写自己生命中的缤纷。
  • 北山书画:夏冰作品学术展
  • 2012年7月8日,“北山书画——夏冰中国画·中国书法学术展”在中国艺术研究院美术馆开幕,此展览以“北山书画”为题,汇集了夏冰先生60余幅极富代表性的中国画、书法作品。中国画部分展出两大主题作品:《山林系列》与《桃源文章系列》,是作者多次深入太行山、武陵山考察文化,从探究中国山水画哲学精神层面进行的美术创作。书法部分展出了近年的隶书精心之作。夏冰先生自幼及今,日课几无间断,研习两汉隶书尤多.其中《张迁》、《鲜于璜》、《衡方》、西汉摩崖题记,近年出土的刻石、泰简,心摹手追,离道于心,书写性灵。
  • 北京将成为亚洲艺术枢纽
  • 北京作为中国大陆艺术和拍卖的主场,将成为全球文化和金融重镇。目前北京正在计划修建一个大规模的自由港枢纽,以将中国的首都变为领先的艺术中心。据《艺术报》消息,这一即将修建的免税存储设施将坐落于北京首都机场旁边,占地83000平方米,耗资75亿美元,预计于2013年底竣工。该存储设施的建立旨在鼓励收藏家和企业储存他们的藏品。北京自由港的建立将对中国艺术界有着巨大的影响。随着北京文化自由港的建成,中国收藏家能够将海外购买的艺术品带回国内,存储在文化自由港里,而不是在偿付了大量的进口税之后将其悬挂于自家或展示于私人博物馆中。北京文化自由港开启时,中国藏家将遣返海外购买的艺术品,并在政府作出决策之前,以免税的形式持有它们。
  • 2012上半年拍卖行业成交额不理想
  • 据中国拍卖协会网站公布:2012年1至6月行业内总成交额比同期下降了近一半,整个拍卖行业成交额均不理想。其中全国拍卖累计成交为32320场,实现拍卖成交额1729.6亿元,较同期减少了43.1%。税收方面共上缴营业税金206亿元,同比减少44.6%。有业内人士说,自从去年下半年以来行业内经营持续下滑,目前近半数企业生存状态并不乐观。今年上半年,各月成交额同比负增长比率也从1月份的-714%,逐步收到6月份的-19.8%。进入下半年以后,拍卖行业经营状况将继续保持缓中趋稳的缓慢增长态势,预计全年不会出现成交额较大幅度的波动。
  • 艺术衍生品“飞入寻常百姓家”
  • 当艺术介入市场以后,天价艺术品与大众之间的距离犹如鸿沟,只有极少数人能买得起。所幸的是,艺术以衍生品的形式出现犹如“飞入寻常百姓家”,当代艺术由此成为寻常百姓可以消费得起的“寻常物”。从几百万的艺术品到几百块甚至几十块的艺术衍生品,原作的批量生产让普通大众具备了消赞艺术的潜力,从而借助艺术提升生活品味。艺术家大规模介入到商业行为的艺术衍生品行当远未开始,但是一些艺术家已经开始尝试与商业机构合作。各大艺术区、艺术超市、艺术博览会里,都能看到岳敏君的“露齿大笑”、周春芽的“绿狗”、刘野“卡通娃娃”、周铁海“穿旗袍的骆驼”、沈敬东的小军人、隋建国的小恐龙、向京&瞿广慈的“礼物”……他们走出了原作的局限,或向玩具公仔、或向限量复制、或向生活物品等领域靠近,尝试进入到大众领域。
  • 文交所整顿后的艺术品基金
  • 当前中国,艺术品市场金融化在过热之后无疑正在深陷困境。本次中国文化艺术品产权交易所的“大限”直接影响了曾经风光无限的艺术品资产以及背后大大小小的艺术品基金。鉴于艺术品基金与文交所之间千丝万缕的联系,文交所“大限”之后,艺术品基金如何“自谋出路”就成了一个关键的问题。从2∞9年至今,国内一共发售了70余款艺术品基金,总金额在60亿元以上。这些基金在艺术品市场比较红火的时候入市,有部分基金都把退出的希望寄托于文交所的艺术品份额化交易。然而,在艺术品基金退出渠道匮乏的情况下,文交所仍然是很多艺术品基金所寄望的依托,只是各自采取的方式也许并不一致。而有些艺术品基金,则选择了“改头换脸”后的“坚守”。如南方交易所在6月5日首次公开推出“艺术品保真保值交易服务”,并开始向投资人发售第一个保真保值交易产品——“赵少昂原创107幅中国画作品”。宣传称,该资产包通过艺术家亲属直接承诺艺术品的真实性,发行机构以实物资产作抵押保证等措施防范消费者的投资风险,皆属全国首创。
  • 追续权草案有望保护艺术家权益
  • 近日,有望保护艺术家合法权益的“追续权(Droitde Suite)”的草案公布了。“追续权”的概念是在《中华人民共和国著作权法》修改草案的第一稿中首次提及。最近。国家版权局在广泛征求备方意见及第一稿的基础上又公布了第二稿:“美术、摄影作品的原件或者文字、音乐作品的手稿首次转让后,作者或者其继承人、受遗赠人对原件或者手稿的所有人通过拍卖方式转售该原件或者手稿享有分享收益的权利,该权利不得转让或者放弃,其保护办法由国务院另行规定。”艺术家的继承人在艺术家本人过世后的70年内仍享有此权利。
  • 艺术收藏趋向团体化
  • 实际上,如果说起收藏团体,大家第一时间想起的大概是著名的“清玩雅集”抑或“敏求精舍”。这些会员制的收藏家团体,拥有的不仅是声名显赫的大收藏家会员,更重要的是动辄影响一方文化市场的行动和魄力。然而,当下欧洲正在盛行“圈子化”的收藏团体。这些团体并没有很多深谙收藏之道的成熟藏家,更多的还是刚刚入场的新收藏家,甚至是收藏“菜鸟”级的资深爱好者。
  • 默认“关注”
  • 当代艺术圈犹如娱乐圈般风风火火,表面光鲜亮丽.内里却暗潮汹涌、追波逐浪。诸多样板、标杆似的前辈站在高处.虽只能仰望背影,却无疑为“向艺术出发”的志愿兵们树立了最好的成功榜样,变相成为艺术大军不断扩充的重要的原动力之一。这个夏季.“青年艺术”毫无疑问成为主角,希望这貌似突如其来的关注没有给未来的艺术家们带来过多吹弹即破的泡沫幻觉。夏季过后,如何“保温”才是首要。这些被伯乐们发现的“新生代中国艺术力量”怎样保持自己的艺术作品在艺术圈的品质和新鲜度,而不是在频繁展览制造的轰动效应下短时间内的沸腾,这是被冠以“新生代中国艺术力量”之名的广大青年艺术家需耍商接面对及冷静思考的问题.毕竟持续的关注更多的是来自作品本身。“艺术”被不断翻阅更新,但愿青年艺术家们不会在艺术更新的过程中也随着市忘。
  • 当感性假借理性掩面而示
  • 闷热的中午就着满眼的雾气,走在798略显潮湿的路上,专门跑到长征空间去看两个青年艺术家的展览。踏入门槛的那一刻,两个展厅像两尾黑白色羽翼向两极延伸.我习惯性的首先向左走进黑暗的空间。《胡向前——主演》三个影像行为视频同时播放,让我有点分身乏术。哼哼唧唧的调调瞬时间让我想到了左小祖咒吟诗般的歌唱。像他的名字“向前”一样,仿佛他的作品是超越了既有的理解范围,初看难免显得有些滑稽,但是又有种一定要想去解析的执拗感。《劳动者之歌I夜》最富有一种不紧不慢的戏剧性,整洁的妆容,彼此的欢畅与对自,认真地互相商量着一件正经事儿一样。这让我想到很多类似于保安、影院检票员、司机等职业的寂寞和孤独。鲜艳的红色制服有一种呆滞的正能量无处发挥。我突然意识到胡向前对于生活难以遮蔽的敏感,有时只是我们一闪念的瞬间,被他夸张放大。作为一个手持显微镜的高手将最为细小的形状勾勒出来,内容丰富。还有那个饶舌无限蹦踺表演,最为印象深刻。在本身应该具有表演性质的现场录像看来.胡向前不是在表演,是在释放每一个人无意识、唯剩自我时的不伪装和歇斯底里的,15理活动。当人抛开环境和身边的人时,会有不断感知自我和无我的状态。至于那段唯美的、极具画面感的电影化影像,让我觉得一切美好有时是做作的刻意而为。这是对于美好阴暗的心理状态,但往往也是真实的。这可能也是来自于艺术家在生活中的某次视觉经历,也可能源于累月经年的质疑与困惑。那无比正常、绅士、优雅的画面,缓慢而有序,却怎么也觉得不舒服。感知觉的不通畅和不自在的缘由,被牵制而自发伸出的探寻触角,其实都与现实相关.但需仔细想想,细细体昧。
  • 以建筑之心,行艺术之实
  • “可乐乐园——程大鹏今日美术馆个展”主要由三件装置作品组成。分别是“可乐乐园”、“可乐城市”和“枯山水”,意在描述整个空间,尤其是描述城市与人的关系以及从宏观到微观的关系。“此次展览展出的软机械装置、机械枯山水、立体输出的人兽混生建筑物及文化创意产业的衍生品,都是无数的实验结果……以建筑之心,行艺术之实。”兼具建筑师与艺术家双重身份的程大鹏如是说。今日美术馆的展馆空间高度很高,难以驾驭,但不知与程大鹏的建筑师身份是否有关,他十分巧妙地运用装置将整个空间利用起来,作品与空间完美契合,形成一个强大的气场。展馆上方吊着防火PVF纤维布做成的大小不同、布满褶皱的柱状布帘,他们随着内部隐藏的机械升降柱上下起伏,硕大的“身躯”将整个展览空间填充起来,好似潜藏着吞噬整个空间的欲望。材质的软性与机械的硬性变化形成的对比与互补,不断挑战你的视觉极限和自身存在感,将你溶解在被它所改变了的空间里——这就是程大鹏的软机械装置“可乐乐园”。“可乐乐园”虽名为可乐,但实则描述了人的微观的心理感受,关注的是人与城市之间互动的一个状态。在中国高速城市化的今天,快餐文化随处可见,人与人、人与城市之间的关系逐渐发生变化,既互有抵触、压迫又相互滋长、依存共生,形成一个充满矛盾的异形结合体。
  • 对材质的迷恋与再造
  • 可能是吕胜中担任策展人的原因,前波画廊这次参展艺术家的作品实验性都很强,而且大都还和纸质的材料有关,不管是以软纸为创作媒介抑或是木头、玻璃。进入展厅中作品有薄薄的纸巾编制而成的时尚感很强的衣物,还有用报纸编制而成的盔甲,材质和作品之间巨大的反差使得人们产生错觉:这究竟是艺术作品还是时尚服装?这些复杂精细的编织都让人能够感受到艺术家对材料运用的捻熟。平常材质的非常规创作也是中央美院实验艺术系一直以来所倡导的教学理念。观念对于创作的重要性在四位参展艺术家作品中得到了充分的体现,其中《打碎杜尚的小便池》这件作品是艺术家出于自己的理解和方式重新解构了这件艺术史上最著名的作品。安上拉链的小便池不再是那件经典作品。对于艺术家而言,杜尚的小便池只是一个象征,一旦思维模式打开后,其他的方式方法都只是细节问题了。《枪的解析》让人联想到对战争的反思,作者却首先是将枪弹当成一幅架上的绘画,精密的图解往往用于军火工厂的加工制造,在这里,却从画板的背面拉出了一道彩虹,象征着化干戈为玉帛,对冰冷的武器进行理性的分析,于是,一张张杀伤武器的图纸将永远成为供人观赏的艺术品,巨大的反差促使人们从另一个角度去理解战争。
  • 为什么你不再爱我
  • 一个煽情的标题“Why Don’t YouLove Me Anymore?”,成为了一个推介群展的策划名义。中文意为“为什么你不再爱我?”的展览题目讲述了“一个摆脱束缚同时又令人痛苦的过渡时期,回忆以此醒过来了,令人恐惧,会引发愤怒、失望、绝望、空虚、悲伤和自暴自弃!”而区别于一股群展的模式此番艺术家并不由画廊方作主选人,而是邀请与之相熟的艺术家、作家、展览馆长、收藏家、社交名流、学者和好友推介,间接邀请了二十名艺术家参展,而推荐人也以文字等形式参与其中。展览放在了东廊空间,最初看到两面特意搭建起的白墙,展厅门口被围合起来,中间仅留出通道,墙上分别悬挂着陶大珉的两幅有关单人床绘画,孤寂的场景似乎还带着人的气息,艺术家描绘了与身体最亲密的物件,来隐喻出男性与女性的况味,与其《静物绘画》系列在绘画观念上的手法异曲同工。转过身来,便能看到作品边上镌刻着艾略特的一句爱情诤言,四周墙上是醒目的“为什么你不再爱我”的标题和艺术家和推荐人名单。而私密化的入口,看得出策划人Susanrle对于进门空间的精妙处理,主题、作品和空间的一致,使观者旱早地嗅出这个展览的气息。
  • 暗能量:有关神秘诗意的隐喻
  • 与媒介无关,单单从艺术家所具有的逻辑思考力和视觉转化能力来看,这次展览所关注的艺术家的创作,都具有以下特征:往往不依赖于现实中已经存在的视觉来源和图像原形进行简单的平挪和复原,艺术家们创造并且用他们擅长的语言和媒介描述出他们想象出来的故事,或者说他们的叙述方式具有超现实主义的表象.但这种倾向并不是这类艺术的终点,审美性也仅仅是这道视觉餐点中的调味剂,他们更多地是将自我的触角暴露在时代的底色下。隐喻的技巧和怪诞的视觉。都被艺术家赋予了新的时间的意义。想象力与控制力是他们擅长的,不论从何种媒材出发,他们的作品指涉了对于艺术史和艺术、绘画的可能性的探讨,用各自的作品将虚构与现实的距离拉近。“暗能量:有关神秘诗意的隐喻”ig//-主题下,所关注的,是一类具有神秘主义和接续超现实意味的创作形态,在今天当代艺术创作的生态中,这一类作品可以说并不是所谓的主流,不关注社会景观,但却指向了沉潜的艺术暗流,他们的作品看似指涉各自的内心世界,但面对驳杂的现实世界的信息,这些艺术家有回应也有反击。这些作品大多是用隐喻的修辞和荒诞甚至异化的符号,揭露更深层次的有关时代的、社会的心理和精樟层面上的真理,从他们的作品中,感受到的是个人独立于世界与潮流的立场,这股力量蔓延开来,我相信将是能够影响我们的存在感和独立价值的能量。
  • 奥古斯丁共舞
  • 2011年成都双年展上,一座翻新的工业建筑里,在满是忙碌的新店铺、餐厅和画廊之间的一座桥下,我看到一面很古老的墙壁,上面写着党员干部规章制度,当这些建筑还是工厂时,这些就已经在墙上了。“最后,问题都是领导的问题。看不到问题就是最大的问题。反复出现的问题就是工作作风的问题。下属人员的素质低下不是你的责任,但不能提高下属的素质,就是你的责任”。在围墙下面画着——就在这些训示下面——一群快乐的工人和学生,意图用他们对集体主义目的所怀的活力与热情来鼓舞观众。画家用类似社会写实主义的手法描绘了人物,这种手法源自粗糙的木刻宣传画,每一位记得“文化大革命”的中国人都很了解,这种宣传画变得几乎熟视无睹。像这种熟视无睹的大幅宣传画,是王广义1993年《大批判——可口可乐》系列画作的主题(中国目前绘画作品中最著名的佳作之一)。作品把社会写实主义宣传画以及美国商业符号的语言非语境化,在画面中将它们视同为符号意义上相同来对待。二者都被排除了任何意义。但我们仍然能够赋予它们意义——只要是我们喜欢的语义。在这种情形中,我们所能看到的,就是对理解今天生活在全球化文化当中究竟意味着什么而言至关重要的一个问题。
  • 题写在年代的风气中
  • 尽管在我们的传统里,诗文与书画是文人们兼擅的事情,不过,如今的艺术家们大多放弃了文字表达的追求,我在策展中不时有这样的体会:如果有一个展览需要他们提供自己的文字,对他们来说几乎就是一场折磨,在迫不得已的情况下他们宁可接受访谈,而不愿独自面对空白的纸页,仿佛那是一座令人眩晕的深渊……这样的事实固然映现了传统的涣散,不过,艺术家不愿动笔,未必就是因为他们阅读修养的缺失,而很可能因为羞怯于自己的文字——既然在画面中题写诗文已经不再是必需,这方面的日常训练也就停止了,相对于他们的视觉技艺的专业性,他们的文字技艺就愈来愈显得业余了。在另一方面,大概是从现代主义的精英意识那里,延伸出一种态度,要求艺术家们尽可能地将自己隐匿在其作品的背后,只让作品说话,以便在自己与观众之间保留一个具有神秘感和想像张力的空间。也许是身为水墨画家,朱伟对待文字的态度更近于传统文人,他的一些早期作品中仍然保留了文字的题写——友人崔健的摇滚歌词或者自己的笔记——与画面构成一体;不仅如此,在最近的几年中.他应杂志之邀写下了多篇杂文,其数量足够结成一集,在他看来,“古代的画家画画之余弹琴、写诗、做文章,甚至作为门客到有钱人家里白话天文地理、古今大事、做人之道。当代的画家没这个机会,但可以做古代画家做不了的事,比如我就画画之外还刻木版画,到工厂去做雕塑,给艺术杂志写专栏,给摇滚乐队拍电影.但这一切必须是水墨画的延伸,必须有水墨的影子。”这些出现在画外的文字显得短小、冷峻、讥诮,与他的绘画一样,那种个人语调里潜伏着八大山人“自眼向天”的愤激与桀骜,同时也不乏金农《冬心题画记》的灵动和戏谑,如果我们是从文学的角度来看待,他所接续的大概是《二十年目睹之怪现状》或鲁迅式的针砭时弊、嬉笑怒骂的书写方式;有些特别的是.他的表达带着浓重的京腔,其典型的特性就是什么世面都见识过、并且在说起什么来的时候总是既逗着你又噎着你.朱伟显然熟稔于此道,那些被北京人挂在嘴边的俚语俗词频现于文中,形成了口语化独自的生动效果,以致我有些怀疑,他是对着一只录音笔讲述了这些东西,然后再将它们整理成篇。
  • 为什么画画
  • 人的一生只有两种活法:一是上学、就业、恋爱、结婚生子、养老送终,本能地活着,大部分人都是如此。另外一种是想做点事,不想自来一趟,想留点什么。他们的生活可能不那么如意,有的可能很惨,但这个世界的精彩是由他们创造出来的。北野武在自传《浅草小子》里写道:我的表演不论蹩脚还是高明,受欢迎还是不受欢迎,我都会把它当作自己的真实水平来看待。最近一段时间,我一直都在询问自己:为什么要画画,为什么要选择这么一件事作为自己一生的追求和目标?画画要解决什么问题?艺术又耍揭示什么原理?我们身边的绘画这几十年来又发生了什么变化?经常能看到某某艺术家自称是为艺术而生,刚一出生,街坊邻居就都说这孩子有艺术细胞,天生就是搞艺术的料。还有的明星大腕说是陪同学去考试,结果自己被录取了,等等等等。这些机会我似乎都没赶上。我当时学画画是因为学习成绩一直不好,语文、数学很少有超过七十分的,即使在小学一年级也是这水平。
  • 与艺术家的故事——画廊与艺术家的故事
  • 画廊作为连接艺术与社会的商业机构,要面对并维护其与各方面人和机构之间的关系,包括与艺术家的关系、与藏家的关系、与媒体的关系、评论家的关系等等。很多人认为,从长远看,这些关系中最为核心的就是画廊与艺术家之间的关系。尽管藏家是画廊的衣食父母,但藏家最在乎的还是画廊里的艺术家作品。为了让好的艺术家持续为画廊提供品质好的作品,也为了让社会与藏家更多地了解到艺术家,画廊耍为艺术家进行各种形式的推广,并为艺术家筹备展览、出版文献、销售作品,有的画廊甚至帮艺术家处理很多生活上的琐事。他们之间的关系像朋友、像伙伴、像情侣、像夫妻……本期专题,我们聚焦画廊。为您呈现画廊与艺术家之间或开心、或感动、或励志、或无奈的故事。
  • 常青画廊:品质为先,灵活合作
  • 与艺术家紧密合作,保证展览品质 这些年,三位精力旺盛的画廊主已经由90年代意气风发的小伙子们成长为成熟的画廊人。画廊的日常事务早已走上正轨,他们时常马不停蹄地来往于世界各地,除了出席各种展览和艺术博览会以外,还耍与几十位多年来一直合作艺术家保持紧密联系,时刻了解艺术家的思想变化。他们也经常从艺术家那里获得有关画廊经营的灵感和建议,比如曾经与陈箴、蔡国强有过密切合作的马里奥·克里斯蒂阿尼,便是在这两位中国艺术家的引导之下,对中国文化逐渐了解,并对中国产生了越来越多的兴趣,于是最终决定在北京设立常青画廊目前在欧洲以外的唯一分部。在他们看来,与艺术家紧密联系最好的方法就是一起合作展览。因此,虽然常青画廊也有过邀请独立策展人来统筹、策划展览的经历,但绝大多数的展览都是马里奥、洛伦佐和莫瑞希欧亲自担当策展人。他们每人负责十几个艺术家,通常每个艺术家的个展前1年,他们便与艺术家商定好展览计划,并在反复的讨论中不断修改展览方案。常青画廊的展览留给人们一种很强的博物馆化的印象,便是由此而来——艺术家必须为画廊空间定制专门的展览方案,而非简单地把作品放置在空间里。
  • 品画廊金秀花:与艺术家向着长远方向合作
  • 成立于2011年4月的品画廊,在短时间内迅速吸引了众多行业内外人土的关注。从画廊的选址——798主街道中央广场,到画廊面积——2300平方米的恢宏空间,再到合作的艺术家——方力钧、杨茂源、沈少民、陈文令、蒋志、王音、萧昱、舒群等大牌艺术家,全部是大动作和大手笔。
  • 偏锋新艺术空门王新友:在“剑走偏锋”中共同成长
  • “剑走偏锋”一词给人的直观感受是在不循规蹈矩的胆识和勇气中显露出的狡黠灵动的智慧。一边是在争先恐后地追赶主流的大潮中自甘边缘的姿态描述,一边又是关于“走捷径”、“捞偏门”等并非褒义的含义联想。而来自东北的王新友却偏偏选择了“偏锋”这个含义并不明确的词作为自己画廊的名字,在他看来,这样做的理由不是纯然为了语汇意义上的标新立异,也不是为了吸引眼球而达到宣传功效的扭捏作态,而是“偏锋”这个词汇与他要做的事情可谓是“贴切得紧”。他说:“我是从收藏中国传统的书画开始接触这个行业的,进入当代艺术行业对于我来说是一个挑战,最开始的时候我也不是特别清楚具体应该怎样去做。因为当时的艺术行业已经形成了一些固有的模式和价值趋向,而我不愿意再去做锦上添花的事儿,就是想实实在在地为更多的人提供展示自己的平台。在2004到2005年的时候,当代艺术行业整体已经开始向好的方向发展了.有更多优秀的年轻艺术家得不到展览的机会,我就决定主要做年轻艺术家的作品。而这种选择并非当时的主流,我在寻找其他可能性的同时也必将面对着更多的风险和机遇,这本身也是一种‘偏锋’的状态,所以我给自己的画廊起名叫‘偏锋’。”
  • 星空间画廊房方:做画廊为艺术家圆梦
  • 北京星空间可以说是中国画廊业中的一枚奇迹。和其他依靠代理或与知名艺术家合作的画廊不同,星空间从创建之初便把把经营目标锁定在“后89”的一代年轻艺术家,打造了陈可、韦嘉、陈飞、高瑀等年轻的艺术之星,也打造了他们的市场奇迹。
  • 东站画廊田恺:建立艺术与商业的桥梁
  • 当代艺术的队伍不断发展壮大.催生了一系列与艺术相关的产业,新近艺术家们持续不断地涌现出来,使得为艺术提供更广阔平台的潜在婴求日益凸显。画廊在这个过程中,不仅仅是一个展示的平台,更是参与艺术导向的一员,成为链接艺术家、收藏家和普通观众的桥梁。
  • 魔金石空间曲科杰:为优秀的年轻艺术家“点石成金”
  • 魔金石坐落在798艺术区内人流量最大的798东街.但被各色大小商铺所包围的画廊入口却显得异常低调.并很难在第一时间内引起多数人的注意;而与毗邻的亚洲艺术中心等较大的画廊相比.总面积仪为80平米的展厅空间所表现出的“紧迫”感.也并不适合旅行团式的扎堆看展方式。每次去798都会看到有很多游客坐在魔金石门外的石凳上歇脚,却很鲜有人专门走进展厅里去一探究竟.而这种“闹中取静”的独立状态却也符合业界对于魔金石的一贯印象——在同益商业化的艺术区生态环境中,保留着自身对于展览学术品质的坚持。
  • 何汶块绘画的“无常”与“有常”
  • 水的景象、电影的剧照还有现在日常生活场景的表达,何汶块的绘画在题材上的跳跃是显而易见的,它们很难被归纳为某个单一的类型,更无法与那些我们司空见惯的社会政治主题牵扯起来。甚至于它们的表现方式也有着差异:幽蓝发绿的水被按照真实的原则表现得波浪连叠,浩瀚飘渺,可人物并没有披荆斩棘式地破浪前行,而是漂在水里,更像是随波逐流式地浮沉漫游。这种似是而非的模糊人形更加反衬出无形之水的深幽、浩淼、变幻和不确定。整个画面以非物质和无定形为基本特征,充满了无形式的虚幻感。他的《看电影》系列倒是似乎有了某些确定明确的意图指向和社会形式,比如《大红灯笼高高挂》,比如《早春二月》。它们以影像截图和剧照为蓝本,却模糊了场景中几乎全部形象细节,只能看到人、物、环境的最基本结构和明暗关系。新近的《日常影像》系列,着重普通生活中人物与场景形象的简洁和明快处理,取日常生活场景光影之印象式块面结构,而非画面形象的细致刻画描写。甚至于,他采用金属刮板刮擦尚未干固的画面,形成一种刮擦、流动的效果。
  • 沈其斌VS何汶块:真实的“求变者”
  • 引言:他是在艺术追求上永不满足的人。他的画面坚硬而散漫,透露出一位艺术家的执着和专情、朴实和自然、诚恳和谦和。可汶玩以《水》系列广为人知,并被市场所认可,但他却不断的在求“变”,不断的突破自我,之后的《看电影》系列和《日常影像》系列也取得广泛认同。 沈:今天我们做一个访谈,或许会比较尖锐。人的成长和进步就是因为我们直面问题,所以才能解决问题,才能不断地自我提升,我们今天的访谈就从这个角度展开。我知道你很早就在艺术界崭露头角了,在市场上也是挺活跃的。这既是一个好事情,也是一个坏事情,你怎么看这个问题?何:我觉得市场是任何一个艺术家部避免不了的,学术和市场并不矛盾,包括国外的顶级大师,不是说仅仅用市场来界定其价值,但是市场的确是其中一个重要因素,所以我觉得有的人过于把市场和学术拉开。
  • 自我意识的越位——罗清作品谈
  • 众所周知,中国的绘画正处于裂变与新生之中,近十多年来浮现出大量从事绘画媒介扩展的艺术家,将绘画语言、绘画观念、绘画方法、绘画体系推向一个新的时代景观之中。因为,中国的绘画艺术成为国际艺术体系中特殊现象,包孕了丰富而复杂的文化内涵和意识观念。罗清即是这近十年来新潮流绘画中涌现出的一位优秀艺术家,他既在艺术界的视野之内,如参加了众多的艺术展览和艺术活动,又远距离地处在社会媒体的焦点之外,安静地沉浸在自己的创作思考与探险中。这种情况也是中国的当代艺术普遍状态:一方面,很多艺术家默默地创作营,另一方面又没有得到社会的普遍注意,这既是传播的原因,也有社会资源的缘故,甚至在相当程度上是艺术批评的视角关注不够。艺术经常如同社会时尚一样,不断地被流行的样式牵引蓿,又不断地被社会俗见所遮蔽。而真正的艺术,就其当代特征而言,就是不断地超越自身,既超越于艺术自身的陈规,也超越于艺术家自我的自控。
  • 走向世界和寻找中国——关于刘永刚的《爱拥》系列雕塑
  • 进入21世纪以来,中国雕塑最重要的学术动向是,走向世界和寻找中国。看起来,这是不同的两个发展方向,但实际有着内在的一致性。走向世界,是当代中国的时代主题。打破封闭的文化隔绝状态,走出国门,参与国际的对话,在和其它民族和文化形态的交流、对话中,凸显自身的民族身份,这是中国当代雕塑努力的目标之一。
  • 冷日常:李群力油画作品展学术研讨会(节选)
  • 杨小彦:非常感谢大家光临上海美术馆,我希望这次研讨能换一种更加灵活的形式,大家不用像其他研讨会一样排队发言,都提一个问题出来,尖锐一点也没有关系,我们集体讨论和回答。鲁虹:我觉得李群力的作品虽然表现的是风景,但并不是传统的自然风光,而是表现了人类创造的第二自然。现在,我耍提出一个问题,即当你拍完照片后,你的想法已经都呈现出来,商接展示照片就行了,为什么还要根据所拍照片再画一遍?有没有必然要这样做的理由?李群力:艺术家在参照照片创作绘画的时候,对于拍摄的内容总是有所取舍和变动的,也必然会根据自己的兴趣来强调和深化某些点,而这样创作出的油画作品也是照片不可替代的。但这样也将问题变成了无新意的老生常谈,并不能完全解释我的思考。
  • 娄正纲:新水墨的跨界表达
  • 影像、装置、综合材料已成为当代艺术表现的常规手法,在水墨艺术不断发展的过程中,水墨与影像、装置等艺术形式结合的跨界表达也变得越来越多。艺术家娄正纲也在不断的寻求突破和转变,实现传统水墨艺术向当代的转化。水,生命之源;墨,文化之源。水墨之形,寓意着自由、智慧,艺术家娄正纲为此次展览特别搭建了一座蜿蜒回转的楼梯,108幅《和合》系列作品以灯箱的形式被平铺放置在地面上,正如展览标题“悦避”所示,观众可以顺梯而上,俯看作品,“避”走在娄正纲的艺术世界。在墨色的渲染、虚实交错中,这些作品构成了一个生生不息的多维空间。作品中立体空间和意念空间的关系呼应着观画者与作品展示空间的关系,使观者的注意力—下子被其神奇的空间所攫获,实现了传统与当代的化合,拓展了水墨的立体化空间的表现可能性}口公众参与的因素。
  • 吴迪迪:图像志的延伸
  • 每次看吴笛笛的作品,我都会获得一种久违的清新之感。雅致的色彩、闲淡的构图赋予作品浓郁的文人气息,使其与当下流行的卡通绘画、艳俗化的图式拉开了距离;洗练的笔触、质朴的画面与作品在叙事过程中流露出的想象力的悄然结合,让作品多少弥散出一股梦幻现实主义的审美意味;而那些保留长轴外观的尺幅不仅会增强作品图像的阅读感,也会为观看注入一种时间意识。事实上,站在昊笛笛的作品面前,与其说我是在观看,毋宁说是在阅读,因为那些图像不仅仅只有造型与色彩上的表达,更有情节与内在的叙事性。在昊笛笛的作品中,图像无疑成为了意义显现的“索引”。但是,对于艺术家来说,使用这些图像并不是要将它们当作一种个人图式或个人标识,而在于言说图像背后的互文性,并以当代人的文化与社会经验去审视它们,最终在视觉转换的过程中使其具有新的文化气质与审美内涵。
  • 席丹妮创作手记
  • 夜晚的宁静,唤起我对于生命和对于生命解读之表征的深邃感知,这一简朴而亲切的领域浩渺无垠。而只有在凝望的状态下,仔细端详每一样物品,我才能从内心找到力量的源泉。
  • 可塑的身体——评韩啸的行为艺术
  • 5月12日,韩啸在济南韩氏整形美容医院实施了他的行为艺术『手术』。整个活动由著名策展人王春辰策划,著名批评家易英、王春辰、段君撰写了批评文章,吴鸿、壬春辰、刘礼宾、杭春晓、段君、朱小钧、胡斌、郝青松、夏彦国、李国华、王栋栋、崔灿灿等12名活跃的批评家和策展人参与了研讨。
  • 后记
  • Q:你怎样从一个整形医生转行做当代艺术? A:2006年,是我创业发展时期,工作压力很大.情绪焦虑急躁,得了睡眠呼吸障碍综合症,没有深睡眠,头疼困倦。为了修身养性、放松自己,报考了山东艺术学院意笔人物专业的在职硕士研究生。画了一段时间,对艺术理论的兴趣很大,就前往中国艺术研究院学习了两年,接触各种喜爱的艺术课程,同时在各大院校游学,凭着兴趣和喜好广泛涉猎人文学科,期间比较全面、深入地接触当代艺术很多领域,产生了强烈创作冲动。开始尝试做了几件装置,偶然参加了一个群展,得到了很多朋友肯定和鼓励,就义无返顾的全身心投入到当代艺术里了。而追求完美的性格,又促使自己要把艺术这个成年人的游戏做出点名堂;
  • 南方:美好在此,不幸在别处
  • 可以说在南方的作品中已经形成了属于他自己的比较独特的形式语言特征。这首先在于他的作品消解了传统绘画在构图上的均衡和稳定,更多地具有一种不平衡感和不稳定感,这样就使画面在单纯的背景上更大程度地存留了更多的空间,从而表达更为充实的个人体验和内心感受。——栗宪庭南方是上世纪70年代出生的画家,一种平和、宁静的社会环境和幸福生长的经历使他的作品很自然地脱离了磊六十年代出生的画家或更早一些的画家在作品中所表达的那种深刻与沉重。他的作品所关注的焦点并非是传统意义上的重大题材,而是诸如孩童成长等等生活中人们都非常熟悉的人和事,因此他的作品传递给人的是一种亲切、可爱、幸福的感受。画确单纯、优雅.造型上融入了卡通艺术的一些风格特征。更重要的是在一种似乎不相干的戏谑中增添了作品本身的情感表达。——岳敏君
  • “无差别”的女性艺术——“变化与差异”学术研讨会纪实
  • 自上个世纪中期以来,西方女性主义艺术由女性解放运动的发展而伴生并发展着。随着近年来世界经济、政治、文化格局的不断变化,女性主义艺术也由初始的对抗状态日渐趋于融合。女性主义及女性艺术家在当下的环境中呈现出的创作状态和作品已经与传统的女性艺术相去甚远。北京草场地艺术区荔空间7月举办的《“无差别”当代艺术展》所遴选的若干女性艺术家的作品便呈现出“去性别”的作品样态。展览开幕前,荔空间有意在对外宣传时隐去了这是一次全部由女性艺术家参加的展览这一信息。展览后续的“变化与差异”学术研讨会中,参展艺术家及关注女性艺术的众多批评家就女性和女性艺术在当下时代的变化与差异展开了讨论,现场来宾就展览话语权和预设逻辑的质疑,对展览主题设置的质疑,对艺术评论的概念化和反概念化提出的批评和质疑,对女性艺术在历史进程中的变化等展开讨论,场面精彩热烈。
  • 关于“再历史——中国当代艺术邀请展”的说明
  • 北京贵点艺术空间自成立以来,已经请著名批评家王明贤先生连续策划了两次名为“穿越历史”的当代艺术展,也产生了极好的影响。而这两个展览与深圳美术馆先前举办的“历史的图像”展,在学术上具有很大的相似性。
  • 陈箴:用创作与时间赛跑
  • 谈论起中国近20年以来的当代艺术史,陈箴绝对是一位无法错过的艺术家。陈箴(1955-2000)上海人,中国最早的装置艺术家之一,80年代移居巴黎,开始使用日常物创作装置作品,如帆布床、床垫、保龄球等等。作为一位活跃于西方的跨文化的中国籍艺术家,他善于向世界发问,向人性发问。由于他对本土文化深刻的反思、领悟,又将本土文化向外来文化全面开放而找到了属于自己的跨越两者的道路。陈箴的作品蕴涵丰富的知识层次与哲学智慧,思辨性极强,内容丰富、视角开放、不拘泥于固定模式。其作品具有敏感的预见性,在90年代初就已经开始探讨十几年后的今天人类遇见的有关于国际政治、社会、文化冲突、城市化以及人性的问题了。他善于运用隐喻和反讽的艺术语言,把中国文化和西方文化的对话提升到哲学的高度加以思辨。
  • 日本60年代摄影之转向
  • 对于日本摄影来说,1945年也许就是一个公认的分水岭,因为这是根据战前和战后来区分的。以二次世界大战作为一道界线,沿用的实际上是一般历史的分类,包括一般的艺术史的分类也是如此。因为战争的结束.也就意味着日本的日常生活自然进入了转折点,包括物质的和精神的层面。然而如果我们放在更大的视野和观察日本摄影的走向,尤其是一种真正具有个性化发展的空间的呈现,那么可以明显地发现,60年代的日本摄影才是真正走向现代的标志。也就是说,这时候的摄影家已经有了明确的努力方向,呈现出多样化的个性化空间.而非先前的盲目和被动。
  • 我是世界壮丽的伤口——个人主义的挽歌电影
  • 以前我曾在CNN网的头条读到过一条新闻:一对银行破产的年轻情侣,抢劫了七百万美金潜逃,后被抓获。有趣的是,新闻特别提到,他们在远走高飞前,还悄悄的房东的油箱里留下了当月的房租。
  • 游走在成人与孩子间的精灵——关于《我的眼睛一睁开》的文字和图画
  • 本周最开心的事情,就是周一到单位,收到这样一本书,书名是《我的眼睛一睁开》.这是一本成年人写的书,是成年人写给孩子的书,换句话说,是成年人写给童年回忆的书。书很薄,很轻,不像坊间很多的儿童绘本,专门用硬硬的精装皮壳吓人。也很干净,很安静,也许,孩子的心思就是安静如许,没有目迷五色的驳杂,孩子的眼睛,看到了一个绚丽却千净的世界。晚间给四岁的孩子念这本书:“公共汽车吃的太多了,肠胃里的人挤着人,所以他怎么都走不动,开始迈步的时候都摇摇晃晃的,一边走还一边放屁。有时候,公共汽车会打个嗝,整个身子部跳—下,这时候,乘客就在车子里面骂人。”……儿子听到这里,开始火笑,然后,撅着屁股趴在地上开他的小公共汽车,一边开一边说,“嘟嘟……我来帮你放屁……”看来,作者的文字,一个四岁的孩子,看懂了。
  • 库哈斯:高大与憔悴(3)
  • 雷姆·库哈斯,这位因城市论《S,M,L,XL》被建筑界称为建筑圣经的作者、当下世纪的潮人、荷兰大都会建筑事务所(OMA)的领军人、全球建筑界的最高奖普利茨克奖(Pritzker)的获奖者、身高身高1.92的库哈斯,不能不说是高大的,可是他被那些无聊的绯言折腾的略显憔悴,但独来独往的库哈斯,仍然是世界上最忙的人之一,他的思想对一成不变的建筑学是一种颠覆,他的创意对建筑界来说,如同鲜氧。
  • 艺术之名的猜想
  • 当代社会,无论中国外国,对于叫做艺术的事物和对象,都报以特殊的态度和判断。认为被叫做艺术的东西一定是被规定的,即一定是被人们已经建构出来的东西而被共同承认的某种东西,一定是具有某种视觉审美的东西。在历史上、在现实中,艺术作为名词或命名成为特殊的社会方式和现象,被叫做艺术与否成为一种具有价值认定、社会荣誉、某种象征的事情。因此,凡被叫做艺术的,都成了某种神秘的东西;不被称为艺术的,则是某种恶俗的东西,或不堪高雅的东西。在当代社会,名为艺术也成为高于一般社会知识的指认,流于社会日常行为的东西则不被接受为艺术。这就是艺术为名的特殊地方和神奇地方,艺术等于某种“灵韵”(Aura)。也因为如此,艺术成为不可被篡夺、不可被冒用的东西,艺术有着自己的尊严,不得受到侵犯,如同军事禁地一般。如果这个社会还有什么更高的价值认同,除了宗教外(但它不能被泛指),只有艺术这一称谓了。
  • 看多少中国人假冒抽象绘画欺世盗名
  • 近年来我国画坛空前繁荣,写实主义、表现主义、超现实主义、观念具象、艳俗和卡通等各种画风应有尽有,其中抽象绘画更是无比兴旺。恰如雨后的蘑菇,中国画坛一夜之间冒出了一大批的抽象画家。从中国美术馆到798艺术区,抽象绘画展览大量举办,令人应接不暇。除了实体空间中的展示,有人还在互联网上举办抽象绘画群展。最近笔者更得知抽象艺术家联盟和抽象艺术基金即将建立。中国抽象绘画呈现如此大好局面,我们本应欢欣鼓舞,但是当我们检说中国抽象绘画群体的构成,分析当下抽象绘画的品质,我们就会发现抽象绘画已成为中国当代艺术界一个伪劣横行、欺骗当道的重灾区。抽象绘画是一种源于西方的绘画样式,因此探明西方抽象绘画产生的原因,认清其本质是我们学习、借鉴这门艺术的首要课题。
  • 发诸心而形于外——看肯尼恩文理学院艺术系毕业生作品展
  • 每年四五月份,美国的大学也和中国的大学一样,艺术系的毕业生要做一个毕业生作品汇报展出。我所在的俄亥俄肯尼恩文理学院(Kenyon College)今年四月即在新落成的冈德画廊举办了一年一度的艺术系四年本科毕业生的作品展。我常常在夏天回国.也有机会看到国内一年一度的美院毕业生作品展。第一个直观的区别是,肯尼恩的展览每个学生的作品旁都会有一个简单的陈述。讲述他/她的思路,也就是我们常说的“艺术随感”。这个陈述虽然只有几百字,可是能让观众—下就了解作者在做什么,怎么做的,为什么要这样做。尤其有文字和具体作品的比较,观众的认知乃至评论马上就有了一个着力点:作者所说和他/她的作品之间的关系一目了然,比如他,她是否把他/她想耍表达的用艺术的方式呈现了出来,呈现得如何。当然,最直接的好处是为观众的解读和理解提供了第一手的权威基础。我们常常在看作品的第一眼时并不能把握作者的意图和思路,有了文字的帮助,普通观众无疑就像得到了一个“翻译器”,把作者的视觉语言和他/她的想法挂钩,解读作品不再无所凭依。有人可能会说,视觉语言和文字不能作如此直接的牵扯,一旦视觉可以用文字说得这般清晰,视觉的魅力便消失殆尽。这是个艺术哲学的问题,但是在艺术教育和一般的艺术接受尤其是当代艺术的接受上。文字并不一定就是视觉的杀手,我觉得。当然,扯远了。
  • 保持活力
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    2012扎堆青年艺术

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    蔚蓝的夏天——王蔚兰水墨作品展(王宏州)
    洞穴魅影&拾荒碎片(王宏州)
    李向明个展呈现“贫民艺术”(张瑜洋)
    天梯——沈远个展(木木)
    神仙妙境——郭文个展(奈西)
    绘画课Ⅱ消极与——消极与积极的风格(王宏州)
    手绘的意志——庞茂琨写生作品展(木木)
    叠变——帕拉绘画作品展(张瑜洋)
    “引爆!”2012CYAP汇报展(王宏帅)
    缤纷——新星艺术家联展(木木)
    北山书画:夏冰作品学术展(木木)
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    北京将成为亚洲艺术枢纽(潘鸿)
    2012上半年拍卖行业成交额不理想(潘鸿)

    艺术衍生品“飞入寻常百姓家”(潘鸿)
    文交所整顿后的艺术品基金(潘鸿)
    追续权草案有望保护艺术家权益(潘鸿)
    艺术收藏趋向团体化(张秀娟)
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    [现场]
    当感性假借理性掩面而示(王胤)
    以建筑之心,行艺术之实(王宏州)
    对材质的迷恋与再造(刘军)
    为什么你不再爱我(吕艳)
    暗能量:有关神秘诗意的隐喻(王静)
    [特别关注]
    奥古斯丁共舞(乔纳森·芬伯格)
    题写在年代的风气中
    为什么画画(朱伟[绘画])
    [专题]
    与艺术家的故事——画廊与艺术家的故事
    常青画廊:品质为先,灵活合作(周雪松)
    品画廊金秀花:与艺术家向着长远方向合作(周雪松)
    偏锋新艺术空门王新友:在“剑走偏锋”中共同成长
    星空间画廊房方:做画廊为艺术家圆梦(周雪松)
    东站画廊田恺:建立艺术与商业的桥梁(王宏州)
    魔金石空间曲科杰:为优秀的年轻艺术家“点石成金”(郝科)
    [封面人物]
    何汶块绘画的“无常”与“有常”(高岭)
    沈其斌VS何汶块:真实的“求变者”
    [点将]
    自我意识的越位——罗清作品谈(王春辰)
    走向世界和寻找中国——关于刘永刚的《爱拥》系列雕塑(孙振华)
    冷日常:李群力油画作品展学术研讨会(节选)
    娄正纲:新水墨的跨界表达
    吴迪迪:图像志的延伸(何桂彦)
    席丹妮创作手记
    可塑的身体——评韩啸的行为艺术(彭锋)
    后记
    南方:美好在此,不幸在别处
    [解读]
    “无差别”的女性艺术——“变化与差异”学术研讨会纪实(雪松)
    关于“再历史——中国当代艺术邀请展”的说明(鲁虹)
    [典藏]
    陈箴:用创作与时间赛跑(潘鸿)
    [泛阅读]
    日本60年代摄影之转向(海杰)
    我是世界壮丽的伤口——个人主义的挽歌电影(青袊)
    游走在成人与孩子间的精灵——关于《我的眼睛一睁开》的文字和图画(吉光)
    [专栏]
    库哈斯:高大与憔悴(3)(方振宁)
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    发诸心而形于外——看肯尼恩文理学院艺术系毕业生作品展(周彦)
    《东方艺术》封面

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